피카소의 생애와 작품, 양식을 다섯 번 갈아엎은 화가
• 한 줄 정의: 한 양식의 완성자가 아니라, 양식 자체를 부수고 다시 짓기를 반복한 화가
• 본명: 파블로 디에고 호세 프란시스코 데 파울라 후안 네포무세노 마리아 데 로스 레메디오스 시프리안 데 라 산티시마 트리니다드 루이스 이 피카소
• 생몰: 1881년 10월 25일 ~ 1973년 4월 8일
• 국적·활동지: 스페인 말라가 출생, 성인기 대부분 파리·남프랑스 거주
• 활동 분야: 회화·조각·판화·도예·무대 미술
• 대표작 3개: 〈아비뇽의 처녀들〉(1907) · 〈게르니카〉(1937) · 〈우는 여인〉(1937)
피카소 시작하기
• 처음 접한다면: 청색시대 〈늙은 기타리스트〉(시카고 미술관)와 〈우는 여인〉(런던 테이트 모던) 두 점 비교
• 볼 곳: 뉴욕 MoMA · 마드리드 소피아 왕비 예술센터 · 파리 피카소 미술관 · 바르셀로나 피카소 미술관 · 앙티브 피카소 미술관(남프랑스 후기 작업 중심) (※ 전시 일정·소장 위치는 변동 가능, 작성 시점 기준)
보는 방식을 바꾼 사람
파블로 피카소(1881~1973)는 서양 회화가 르네상스 이후 500년간 고수해 온 원근법과 단일 시점을 해체하고 입체주의를 창시한 스페인 출신 화가입니다. 91년 생애 동안 회화·조각·판화·도예를 넘나들며 남긴 작품은 5만 점을 웃도는 것으로 추정됩니다.
1907년 파리 몽마르트르의 화실에서 그는 다섯 명의 여성을 각진 평면으로 쪼개어 그렸습니다. 동료들은 충격을 받았고 화상들은 등을 돌렸습니다. 르네상스 이후 500년간 서양 회화가 지켜 온 약속이 단 한 작품으로 무너지는 순간이었습니다. 그 그림 〈아비뇽의 처녀들〉은 9년간 화실에 말려 있다가 1916년 살롱 당탱에서야 처음 공개됐습니다.
피카소를 이해하려면 생애 연대기를 외우는 것보다 "그가 왜 매번 양식을 버렸는가"를 물어야 합니다. 친구의 죽음이 청색을 끌어왔고, 브라크와의 만남이 입체주의를 낳았으며, 게르니카 폭격이 그의 가장 정치적인 작품을 만들었습니다. 이 글은 그 변신의 촉발 사건들을 따라갑니다.
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| 1908년 파리 몽마르트르 시절 젊은 피카소의 모습 |
말라가에서 파리까지 — 형성기
피카소는 1881년 10월 25일 스페인 남부 말라가에서 미술 교사 아버지 호세 루이스 블라스코와 어머니 마리아 피카소 사이에서 태어났습니다. 어머니의 성 '피카소'는 흔치 않은 이탈리아계 성이었고, 그가 청년기에 아버지 성 '루이스'를 떼버리고 어머니 성을 서명으로 고정한 이유입니다.
1895년 가족이 바르셀로나로 이주한 후 피카소는 라 론자 미술학교에 들어갔습니다. 1897년 마드리드 산 페르난도 왕립미술아카데미에 단기간 다녔지만, 정식 수업보다 프라도 미술관에서 보내는 시간이 훨씬 길었습니다. 벨라스케스의 구도, 고야의 어두운 풍자, 그리고 엘 그레코의 늘어진 인체가 그의 시선을 사로잡았습니다. 엘 그레코의 형태 왜곡이 훗날 입체주의의 씨앗이 됐다는 견해는 여러 연구자가 공유합니다.
1900년 첫 파리 방문 때 그는 시인 막스 자콥과 몽마르트르의 좁은 방을 나눠 쓰며 가난한 밤을 버텼습니다. 이 무렵부터 아버지 성 대신 어머니 성 '피카소'만 쓰기 시작했고, 1901년 이후 작품 서명을 'Picasso'로 고정합니다. 바르셀로나 카탈루냐 친구들이 그를 부르던 방식이었고, 스페인에 흔한 성과 구분하기 위한 실용적 선택이기도 했습니다.
청색의 기원 — 카사헤마스와 윤리적 선택
청색시대(1901~1904)는 피카소가 차가운 청색 단색조로 사회 소외계층을 화면의 주역으로 삼은 시기로, 절친 카를레스 카사헤마스의 자살이 결정적 계기로 알려져 있습니다.
1901년 2월 17일 밤, 파리 클리시 대로의 카페에서 카사헤마스가 스스로 목숨을 끊었습니다. 그는 20세였습니다. 그러나 미술사가 엘렌 세켈의 연구가 짚어낸 흥미로운 사실이 있습니다. 자살 당시 피카소는 파리가 아닌 마드리드에 있었습니다. 파리로 돌아온 직후에도 그의 팔레트는 한동안 밝았고, 청색이 화면을 본격적으로 잠식하기 시작한 것은 그해 가을 이후였습니다.
세켈을 비롯한 여러 연구자들은 청색시대를 단순히 개인적 슬픔의 표현이 아니라, 파리 빈민층과 소외된 존재들을 화면의 주역으로 삼겠다는 예술적·윤리적 선택이 함께 만들어낸 결과로 봅니다. 맹인 기타리스트, 야윈 노인, 고독한 여인들 — 청색은 슬픔의 온도이면서 동시에 빈곤의 온도였습니다.
1904년 연인 페르낭드 올리비에를 만나면서 화면은 분홍과 황토색으로 바뀝니다. 장미시대(1904~1906)입니다. 서커스 단원과 광대가 그 자리를 채웠는데, 이 변화에는 개인적 감정의 변화만 있는 것이 아닙니다. 파리 아방가르드 예술가 계층에 진입하면서 사회적 위치도 함께 바뀌고 있었고, 그 변화가 색으로 드러났습니다.
양식의 여섯 단계
피카소는 "나는 찾지 않는다, 발견한다(Je ne cherche pas, je trouve)"고 말했습니다. 한 양식에 안주하지 않고 끊임없이 자기 어법을 부수고 다시 지은 그의 작업은 크게 여섯 단계로 나눌 수 있습니다.
| 시기 | 핵심 변화 | 대표작 |
|---|---|---|
| 청색·장미 (1901~1906) | 청색 단색조 → 분홍·황토 전환. 소외 계층에서 서커스 인물로 | 〈늙은 기타리스트〉, 〈삶〉, 〈광대 가족〉 |
| 프로토 큐비즘 (1906~1909) | 이베리아 조각·아프리카 가면 흡수. 얼굴을 기하학적 면으로 분해 | 〈아비뇽의 처녀들〉, 〈세 명의 여인〉 |
| 분석적 입체주의 (1909~1912) | 대상을 기하학적 면으로 쪼개어 다중 시점을 한 화면에. 갈색·회색 제한 색채 | 〈칸바일러 초상〉, 〈파이프를 든 남자〉 |
| 종합적 입체주의 (1912~1919) | 신문지·벽지·밧줄을 화면에 붙이는 콜라주 도입. 회화와 현실 물질의 경계 해체 | 〈등나무 의자가 있는 정물〉, 〈세 명의 음악가〉 |
| 신고전주의·초현실 인접 (1919~1937) | 이탈리아 방문 후 고전적 인체 복귀. 이후 뒤틀린 형상으로 전환 | 〈해변의 두 여인〉, 〈거울 앞의 소녀〉 |
| 전쟁·도자기·만년 (1937~1973) | 정치적 서사, 도자기 실험, 옛 대가들 변주 연작 | 〈게르니카〉, 〈우는 여인〉, 〈시녀들〉 변주 |
입체주의는 현실을 부정한 양식이 아니라, 한 시점으로 환원될 수 없는 현실을 다시 조립하려는 시도였습니다. 피카소와 브라크는 "보는 시간"을 평면에 포함시킴으로써, 르네상스 원근법이 배제했던 움직임과 기억을 회화에 복귀시켰습니다.
1912년 콜라주의 도입은 단순한 기법의 확장이 아니었습니다. 신문지 조각·벽지·밧줄을 캔버스에 직접 붙임으로써 피카소는 회화의 경계를 현실의 물질로 넓혔고, 이 결정은 수십 년 뒤 뒤샹의 레디메이드, 1960년대 팝아트와 직접 연결됩니다.
관계망 — 브라크, 칸바일러, 그리고 사랑한 사람들
피카소의 양식 변신은 혼자 일어난 일이 아닙니다. 매번 그의 옆에 있던 사람들과의 관계가 다음 양식의 방향을 결정했습니다.
브라크와의 다이아드
조르주 브라크와의 협업은 1908년부터 1914년까지 이어진 미술사에서 가장 유명한 이항 창작 관계 중 하나입니다. 두 사람은 거의 매일 서로의 화실을 오갔고, 이 시기 그림은 서명을 보지 않으면 구분하기 어려울 만큼 닮아 있었습니다.
브라크 본인이 회고하기를 "우리는 한 밧줄에 묶인 두 등산가 같았다"고 했습니다. 그가 남긴 또 다른 말은 더 인상적입니다. "그 시절 피카소와 내가 서로에게 했던 말들은 다시 할 수 없을 것이고, 한다 해도 아무도 이해하지 못할 것이다." 1914년 8월 브라크가 프랑스군으로 참전하면서 이 협업 시대는 끝났습니다.
입체주의라는 명칭 자체가 비평가의 조롱에서 비롯됐다는 사실도 흥미롭습니다. 1908년 비평가 루이 보셀이 브라크의 풍경화 전시평에서 "기하학적 입방체들"이라며 비웃은 표현이 양식의 이름으로 정착했습니다. 미술사에서 자주 일어나는 패턴 — 인상주의, 야수파도 같은 경로로 명명됐습니다.
칸바일러와 화상 관계
다니엘-앙리 칸바일러는 피카소·브라크·드랭의 입체주의 작품을 거의 독점 구매하며 이들을 경제적으로 지탱한 화상이었습니다. 그의 전속 계약이 피카소가 제작에 집중할 수 있는 환경을 만들었습니다. 1차 세계대전 발발 후 독일 국적이라는 이유로 칸바일러의 재고가 프랑스 정부에 압류된 사건도 입체주의 종결을 앞당긴 외부 요인이었습니다.
아울러 피카소 초기를 후원한 화상 앙브루아즈 볼라르, 미국 수집가 거트루드 스타인 남매의 역할도 빼놓을 수 없습니다. 스타인은 파리 살롱을 열어 피카소를 아방가르드 예술가 계층에 연결해 주었습니다.
연인이 화풍을 바꾼다
피카소의 양식 변화를 추적하면 연인 교체와 놀랍도록 정밀하게 맞물린다는 사실을 발견합니다. 페르낭드 올리비에(1904~1912)는 장미시대와 초기 입체주의를, 올가 코클로바(1918년 결혼)는 신고전주의적 안정감을, 마리-테레즈 발테르(1927년경)는 1930년대 곡선 누드를, 도라 마르(1936년)는 〈게르니카〉와 〈우는 여인〉의 날카롭고 불안한 선을 불러왔습니다.
연인은 단순한 모델이 아니라, 피카소가 다음 시각 언어를 발명하기 위해 필요한 정서적·시각적 환경 그 자체였습니다. 이 관점은 동시에 그의 예술이 인간적 착취 위에 세워졌다는 후대 비판과도 맞닿아 있습니다.
게르니카, 한 달 만에 완성한 항의
〈게르니카〉는 1937년 5월 1일 파리 그랑조귀스탱가(rue des Grands-Augustins)의 화실에서 작업을 시작해 같은 해 6월 4일 완성됐습니다. 가로 7.76미터의 거대한 흑백 벽화가 약 35일 만에 그려진 것입니다.
• 제작: 1937년 (5월 1일 시작 ~ 6월 4일 완성)
• 재료: 캔버스에 유채
• 크기: 349.3 × 776.6 cm
• 현재 소장: 스페인 마드리드 소피아 왕비 예술센터(2026년 5월 기준)
• 첫 공개: 1937년 7월 12일, 파리 만국박람회 스페인관
• 제작 배경: 1937년 4월 26일 스페인 게르니카 마을 폭격 이후
1937년 1월 스페인 공화국 정부로부터 파리 만국박람회 스페인관 대형 벽화 의뢰를 받았지만, 처음 몇 달 동안 피카소가 준비한 스케치는 화실 안의 화가 모습이었습니다. 방향이 결정적으로 바뀐 것은 4월 26일이었습니다. 나치 독일 콘도르 군단과 이탈리아 공군이 스페인 북부 바스크 지방의 마을 게르니카를 3시간 동안 무차별 폭격했고, 이틀 후 파리 신문이 현장 사진을 실었습니다. 피카소는 그 사진을 보고 5월 1일 작업을 시작했습니다.
이 그림에는 폭격을 직접 묘사한 장면이 없습니다. 비행기도, 폭탄도, 마을의 풍경도 등장하지 않습니다. 비명 지르는 어머니, 쓰러진 말, 부러진 칼, 천장의 전구 — 모두 상징입니다. 색을 제거해 신문 사진의 즉각성을 빌린 것이고, 전쟁을 아름답게 만들지 않겠다는 윤리적 결단이었습니다.
피카소는 "스페인에 민주주의가 회복될 때까지" 그림을 스페인으로 보내지 않겠다고 선언했고, 프랑코 사망 6년 후인 1981년에야 마드리드에 도착했습니다.
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| 피카소 〈게르니카〉 1937년 작 |
도자기와 예술의 민주화 실험
피카소는 1946년부터 프랑스 남부 발로리스(Vallauris)의 마두라(Madoura) 공방에서 수천 점의 도자기를 제작했습니다. 한국어 자료에서 자주 빠지는 이 후반부 작업은 피카소의 작업 세계를 이해하는 데 빠뜨릴 수 없는 부분입니다.
1946년 발로리스를 방문한 피카소는 공방 주인 쥘 아귀엘리와 수잔 라미에 부부와 의기투합해 협업을 시작했습니다. 이후 수천 점의 도자기 에디션을 만들었는데, 접시·항아리·화병에 황소·새·물고기·얼굴이 그려지거나 새겨졌습니다.
일부 연구자들은 이 선택을 "예술의 민주화" 실험으로 해석합니다. 수천만 원대 유화 대신, 일상에서 사용하는 접시와 항아리에 그림을 담아 예술을 더 많은 사람에게 돌려놓으려 했다는 해석입니다. 도자기는 에디션으로 제작됐기 때문에 유화보다 낮은 가격으로 더 많은 사람이 접할 수 있었습니다.
1949년에는 세계평화회의 포스터용 석판화로 비둘기를 그렸습니다. 원래 딸 팔로마(Paloma — 스페인어로 '비둘기')의 탄생을 기념해 그린 그림이었는데, 정치적 맥락 안에서 20세기 가장 널리 복제된 평화의 도상으로 변모했습니다.
당대의 찬사, 후대의 균열
피카소는 1939년 뉴욕 MoMA 회고전에서 "살아있는 가장 위대한 화가"로 공식 소개된, 생전부터 신화가 된 화가입니다. 1971년에는 파리 루브르 박물관이 살아있는 화가에게 갤러리를 내주는 이례적인 사건도 있었습니다.
그러나 1980년대 이후 페미니즘 미술사와 전기 작가들의 연구가 이 신화를 균열냈습니다. 1964년 프랑수아즈 질로의 회고록 『피카소와 함께 산 삶』은 그의 정서적 착취를 공론화했습니다. 손녀 마리나 피카소의 자서전(2001)은 가족에 대한 정서적 방임을 폭로했습니다.
올가의 우울, 마리-테레즈의 고립, 도라 마르의 신경쇠약, 그리고 마리-테레즈와 자클린이 피카소 사후 스스로 목숨을 끊은 사실은 단순한 개인사로 넘길 수 없는 구조적 문제로 제기됩니다. 미술사학자 그리젤다 폴록 같은 페미니즘 연구자들은 1930년대 뒤틀린 여성 형상이 '형태 혁신'이 아니라 '남성 시선에 의한 폭력의 미학화'였다고 비판합니다.
반면 존 리차드슨 같은 전기 작가는 이를 "피카소가 사랑과 공포를 동시에 그릴 수 있었던 유일한 방법"으로 옹호합니다. 두 시선 모두 일리가 있고, 어느 한쪽으로 결론을 내리기 어렵습니다.
천재와 착취가 한 사람 안에 공존할 수 있다는 사실을 인정하면서, 그 긴장 속에서 작품을 다시 마주하는 것이 지금 피카소를 읽는 가장 정직한 태도입니다.
주요 작품 목록
• 제작: 1907년 6~7월
• 재료: 캔버스에 유채
• 크기: 243.9 × 233.7 cm
• 현재 소장: 뉴욕 현대미술관(MoMA)(2026년 5월 기준)
• 첫 공개: 1916년 살롱 당탱(완성 후 9년간 화실 보관)
• 의의: 서양 원근법 해체의 출발점, 입체주의의 직접적 전조
청색·장미시대 (1901~1906)
- 〈삶(La Vida)〉(1903) — 카사헤마스의 얼굴을 빌린 죽음의 우의화, 클리블랜드 미술관
- 〈늙은 기타리스트〉(1903~04) — 청색시대 정점, 시카고 미술관
- 〈광대 가족〉(1905) — 장미시대 대표작, 워싱턴 내셔널 갤러리
입체주의 시기 (1907~1919)
- 〈아비뇽의 처녀들〉(1907) — 입체주의의 출발, 1916년 첫 공개
- 〈칸바일러 초상〉(1910) — 분석적 입체주의 절정, 시카고 미술관
- 〈등나무 의자가 있는 정물〉(1912) — 초기 입체주의 콜라주 실험의 대표작
- 〈세 명의 음악가〉(1921) — 종합적 입체주의의 리드미컬한 정점
신고전·초현실 인접기 (1919~1937)
- 〈거울 앞의 소녀〉(1932) — 마리-테레즈를 모델로 한 색채의 정점, MoMA
- 〈우는 여인〉(1937) — 도라 마르의 얼굴을 여러 각도에서 겹친 초상, 테이트 모던
전쟁·도자기·만년 (1937~1973)
- 〈게르니카〉(1937) — 35일 만에 완성한 반전 벽화, 마드리드 소피아 왕비 예술센터
- 〈평화의 비둘기〉(1949) — 20세기 가장 많이 복제된 평화의 도상
- 〈알제의 여인들 O 버전〉(1955) — 들라크루아 재해석, 2015년 약 1억 7,900만 달러에 낙찰됐다
- 〈시녀들〉 변주(1957) — 벨라스케스 작품을 58점으로 재해석
피키소 시작하기 — 30분 감상 설계
처음 피카소를 접한다면 〈게르니카〉부터 보지 않는 편을 권합니다. 사전 지식 없이는 흑백의 거대한 화면에 정서적으로 진입하기가 어렵습니다.
가장 좋은 출발점은 청색시대의 〈늙은 기타리스트〉(시카고 미술관)와 1937년의 〈우는 여인〉(런던 테이트 모던)입니다. 두 그림은 만들어진 시기가 30년 이상 떨어져 있지만 감정선이 직관적입니다. 같은 화가가 고독과 고통을 어떻게 다르게 그렸는지를 나란히 비교하면, 피카소의 변신이 단순한 유행이 아님을 바로 느낄 수 있습니다.
그다음에 〈아비뇽의 처녀들〉(MoMA 온라인 컬렉션)을 봅니다. 오른쪽 구석의 두 여성 얼굴을 확대해서 3분 이상 들여다보세요. 아프리카 가면의 언어로 변환된 그 얼굴에서 — 재현이 아닌 힘의 이미지를 추구했던 피카소의 전환이 느껴질 것입니다. 마지막으로 〈게르니카〉는 어느 정도 피카소의 형태 언어에 익숙해진 다음에 보는 편이 좋습니다.
1단계 (10분) — 시카고 미술관 온라인에서 〈늙은 기타리스트〉를 전체 화면으로 띄우고 청색조가 어떻게 슬픔을 만드는지를 느낍니다.
2단계 (10분) — MoMA 온라인에서 〈아비뇽의 처녀들〉 고해상도 이미지를 열고 오른쪽 두 인물의 얼굴만 확대해서 비교합니다.
3단계 (10분) — 구글 아트 앤 컬처에서 〈게르니카〉를 열고 중앙의 말·왼쪽의 어머니·천장의 전구를 차례로 따라가며 읽습니다.
이 순서면 피카소가 왜 "보는 방식을 바꾼 사람"인지 한 시간 안에 체감합니다.
미술관에서 직접 보고 싶다면, 단 한 군데만 선택해야 한다면 파리 피카소 미술관(Musée Picasso Paris)을 권합니다. 마레 지구의 살레 호텔에 자리한 이 미술관은 피카소가 사망 후 국가에 물납한 컬렉션을 중심으로 구성돼, 청색시대부터 만년까지 양식 변천을 한 자리에서 따라갈 수 있습니다 (※ 전시 일정·소장 위치는 변동될 수 있으므로 방문 전 각 미술관 공식 사이트 확인 권장).
자주 묻는 질문 (FAQ)
Q. 피카소는 왜 대상을 일그러뜨려 여러 각도로 표현했나요?
단일 시점을 벗어나 사물의 다각적 구조와 시간의 흐름을 한 화면에 동시 구현하기 위한 선택이었습니다. 피카소는 고정된 한 지점에서만 보는 전통 원근법이 인간의 실제 지각을 제한하는 약속에 불과하다고 보았습니다. 입체주의는 현실을 부정한 양식이 아니라, 한 시점으로 환원될 수 없는 현실을 다시 조립하려는 시도였습니다. "한 자리에서 천천히 돌아가며 본 기억을 한 장의 이미지로 합친 것"으로 이해하면 입문이 쉽습니다.
Q. 피카소의 청색시대는 왜 시작됐나요?
청색시대(1901~1904)는 절친 카를레스 카사헤마스의 자살이 결정적 계기로 알려져 있습니다. 다만 자살 당시 피카소는 파리가 아닌 마드리드에 있었고, 미술사가 엘렌 세켈이 지적했듯 개인적 충격에 더해 소외된 존재들을 화면의 주역으로 삼겠다는 예술적 선택이 복합적으로 작용한 결과였습니다. 청색은 슬픔의 온도이면서 동시에 빈곤의 온도였습니다.
Q. 게르니카는 왜 흑백인가요?
전쟁의 참상을 아름답게 만들지 않겠다는 윤리적 결단이었습니다. 피카소는 1937년 4월 26일 게르니카 폭격 보도를 접한 후 5월 1일 작업을 시작해 6월 4일 완성했으며, 색의 장식성을 제거하고 신문 사진의 즉각성을 빌려 전쟁을 직격으로 전달했습니다.
Q. 피카소와 브라크는 어떤 관계였나요?
브라크와 피카소는 1908년부터 1914년까지 입체주의를 함께 만든 협업자로, 브라크 본인이 두 사람을 "한 밧줄에 묶인 두 등산가"로 비유했습니다. 이 시기 그림은 서명을 보지 않으면 구분하기 어려울 만큼 닮았으며, 1차 세계대전 발발로 브라크가 참전하면서 협업은 끝났습니다.
Q. 피카소의 여성 관계 논란은 어떻게 봐야 하나요?
프랑수아즈 질로의 회고록과 손녀 마리나 피카소의 자서전을 통해 정서적 착취가 사실로 확인되었고, 페미니즘 미술사의 주요 비판 대상이 됐습니다. 작품의 혁신성과 사생활의 윤리를 분리해서 논해야 한다는 입장과 분리할 수 없다는 입장이 팽팽합니다. 천재와 착취가 한 사람 안에 공존할 수 있다는 사실을 인정하면서 작품을 마주하는 것이 가장 정직한 방법입니다.
Q. 처음 피카소를 접하려면 어떤 작품부터 보면 좋을까요?
청색시대 〈늙은 기타리스트〉(시카고 미술관)와 〈우는 여인〉(런던 테이트 모던) 두 점을 나란히 보기를 추천합니다. 같은 화가가 30년 간격을 두고 고독과 고통을 어떻게 다르게 그렸는지를 비교하면, 피카소의 변신이 단순한 유행이 아님을 바로 체감할 수 있습니다. 그다음에 〈아비뇽의 처녀들〉과 〈게르니카〉 순서로 보면 양식 변천이 자연스럽게 이어집니다.
마무리하며
피카소를 한 양식의 화가로 기억하는 것은 그를 절반만 본 것입니다. 청색시대의 냉기, 입체주의의 분해, 게르니카의 흑백 항의, 발로리스 도자기의 따뜻한 실용성을 모두 만든 사람이 한 명이라는 사실 — 그것이 피카소의 본질입니다.
오늘 시도해볼 수 있는 일은 두 가지입니다. 첫째, 시카고 미술관과 테이트 모던 온라인 컬렉션에서 〈늙은 기타리스트〉와 〈우는 여인〉을 나란히 띄워놓고, 같은 화가가 30년의 간격을 두고 고통을 어떻게 다르게 그렸는지를 비교해보십시오. 둘째, MoMA 온라인에서 〈아비뇽의 처녀들〉 고해상도 이미지를 열고 오른쪽 구석 두 인물의 얼굴만 3분 이상 들여다보십시오. 아프리카 가면의 언어로 그려진 그 얼굴에서, 서양 회화가 500년간 지켜온 약속이 무너지는 감각이 들릴 것입니다.
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